Roze Filmdagen 2011

In English

L'arbre Et La Forêt
(Olivier Ducastel, Jacques Martineau, Francia, 2010)

Es 1999, con el Milenio cerca; un patriarca deambula por su bosque, en vez de asistir al funeral de su hijo mayor. Al regresar a casa es confrontado por su alcohólico hijo menor frente a su madre, esposa, hijos, ex-cuñada, sobrina y el prometido de ésta, cada uno adoptando una clara postura, casi estoica. El motivo de la ausencia del patriarca en el funeral es debido a un secreto, que tal vez haga sentir menos peor a todos, aunque no mejor. Drama burgués en la campiña francesa, acercando la Segunda Guerra Mundial al cercano nuevo milenio en la Francia que parece ir demasiado lento; tres generaciones confrontadas donde las decisiones parecen tomarlas los hombres. Brillante personaje el de Catherine Mouchet, la única mujer que parece tener iniciativa.

El Cuarto De Leo
(Enrique Buchichio, Uruguay/Argentina, 2009)

Leo tiene problemas sexuales con su novia, quien es estudiante de psicología, por lo que le recomienda ayuda psicológica. Un día Leo se cruza con Caro, una antigua compañera de escuela, quien parece tener problemas, o como otro personaje dice, "no está nada bien". Leo, en vez de tomar prescripciones médicas, parece intentar buscar experiencias para después contárselas a su psicólogo. Las experiencias del plano sexual le satisfacen a tal grado que los problemas de noviazgo son invisibles. Otras le hacen pensar, tal vez iniciar de nuevo. La historia es simple, sobre la identidad sexual a los veintipocos, mi problema fue que sentí muy poca simpatía por los personajes, de una humanidad casi exagerada.

Os Famosos E Os Duendes Da Morte
(Esmir Filho, Brasil, 2009)

Según el presentador, el director es parte de una joven camada de cineastas brasileños. Mr. Tambourine es un adolescente fan de Bob Dylan, y tiene ganas de ir a un concierto pronto, en una fecha cercana al de Festival de Junio, una celebración folclórica a la que todo el pueblo de alguna forma tiene que asistir; Mr. Tambourine usa el Internet como medio de escape y de comunicación, escribe un blog, cuelga vídeos, chatea, y del mismo modo ve vídeos de otras personas, algunas de ellas muertas. La historia toma lugar en algún lugar del sur de Brasil, donde un dialecto del Alemán es hablado y el Festival de Junio recuerda ligeramente al Oktoberfest, donde las figuras paternas parecen ser inexistentes o lacónicas, donde la muerte es tomada en serio aunque no de manera tan trágica.

Poikien bisnes (All Boys)
(Markku Heikkinen, Finlandia/Dinamarca, 2009)

Interesante documental sobre la industria porno que empezó a florecer en Europa del Este, sobretodo en Checoslovaquia después de la caída del muro de Berlín. El documental presenta a varias personas involucradas en dicha industria, desde consumidores hasta productores, centrándose en un director y algunos jóvenes actores que enfrentan la vida post-porno de diferentes maneras, algunas más infelices que otras. Sinceras y discretas entrevistas incluso a familiares de algunos de ellos.

Ssang-hwa-jeom (A Frozen Flower)
(Ha Yu, Corea del Sur, 2008)

Un rey y su fiel servidor son el centro de un drama histórico. Todos esperan que el Rey y la Reina tengan un heredero, necesario para unir a los Reinos; solo que el Rey es incapaz de acercarse demasiado a su esposa, por lo que le pide, de hecho ordena, a su servidor que le haga tal favor. El servidor ha sido desde siempre educado a ser leal a su Rey; arrancado de sus lazos familiares, no conoce la idea de amar a alguien. Visualmente conmovedora, con decorados fieles y coloridos, algunas coreografías para quitar el aliento, como el majestuoso baile de las espadas. Una banda sonora que parece ser la marca registrada del cine coreano de los años recientes. Y un drama donde las acciones de los personajes principales tienen consecuencias casi siempre trágicas.

Mannen Som Elsket Yngve (The Man Who Loved Yngve)
(Stian Kristiansen, Noruega, 2008)

Es 1989 y el muro de Berlín cae. Jarle tiene gustos musicales que se salen de la norma de su preparatoria, donde forma una banda con sus amigos cercanos, de hecho con su único amigo y un chico más, siempre con el apoyo de Katrina. En un ambiente como el suyo, es fácil prestar atención a los sucesos de la Europa Moderna; los mismos padres de Jarle son divorciados y su madre ha de enfrentar un problema pronto. Entonces llega Yngve, un opuesto a Jarle... que le atrae. Me gusta la ambigüedad del título que implica que Jarle amaba a Yngve, o que Yngve amaba a Jarle; en cualquier caso, también me hace pensar que dicho "amor" se acabó. Trasfondo social, música, un guion entretenido, y una oportunidad de escuchar en la banda sonora a Joy Division, Jesus & Mary Chain, The Cure, R.E.M., Stone Roses, Japan... es como declarar que los 90s empezaron cuando el muro de Berlín cayó.

Berlinale 2011 pt.4

In English

Shanzha Shu Zhi Lian (Under The Hawthorn Tree)
(Zhang Yimou, China, 2010)
Generation 14plus

Poco después de la Revolución Cultural en China varios estudiantes son enviados al campo a ser re-educados. Entre ellos una joven estudiante que aspira a ser maestra, su padre es preso político, su madre labora de forma casi degradante en constante vigilancia, el resto de su familia son sus dos hermanos pequeños; conoce en el campo a un joven soldado, hijo de familia con cierto poder en el ámbito capitalista.
Yimou recurre a los textos entre varias escenas para dar explicaciones que en un principio parecen innecesarias, mas después de dos horas de películas, nada parece ser desperdiciado.
Una historia de amor a edad temprana bajo circunstancias poco ordinarias, momentos de humor naturales y algunas escenas de amor memorables y emocionales.

Shawn Dou y Dongyu Zhou, actores de 'Under The Hawthorn Tree'

The Forgiveness Of Blood
(Joshua Marston, USA/Albania/Dinamarca/Italia 2010)
Selección Oficial - Oso de Plata: Mejor guion
Mención especial premio ecuménico

Joshua Morton ya había sorprendido a la Berlinale con 'María Llena Eres De Gracia', y la estructura de 'The Forgiveness Of Blood' es similar: un conflicto inquietante seguido por la decisión personal del protagonista. En Albania existe un canon ancestral para arreglar cuentas entre familias cuando un miembro de una de ellas asesina a un miembro de la otra; un grupo de negociadores se toman la tarea de intentar arreglar cierta calma, aunque la labor puede extenderse por años, con todos los gastos que eso conlleva. Las víctimas de tan anticuado canon son los hijos que en ocasiones no tienen ni indea ni comprensión de lo que acontece; como el hijo mayor de la familia ofensiva, que al final de la película tiene que tomar decisiones.
Inicio prometedor, inquietante y bien cuidado; la parte final es más bien televisiva, aunque no por eso sin méritos.

Director y actores principales de 'The Forgiveness Of Blood

The Stool Pigeon
(Dante Lam, Hong Kong/China, 2010)
Forum

Un policía en Hong Kong recurre a un preso recién liberado y le propone infiltrarse en una banda de gángsters y mantenerle informado. Bajo tan simple premisa se construye una trama donde los personajes principales intentan aprender de sus errores antes de emprender una tarea nueva. Dante Lam resbala sobre la miel a ratos aunque se levanta y toma al toro por los cuernos, con resultado entretenido, divertido, adulto y trágico.

The Devil's Double
(Lee Tamahori, Bélgica, 2010)
Panorama Special

De Lee Tamahori se puede esperar una película violenta y 'The Devils's Double' no desilusiona. El hijo de Saddam Hussein busca un doble y se encuentra a un juguete, solo que el doble no siempre querá seguirle el juego. Fuerte, compacta, caricaturesca, bien rodada y con muchas tomas con luz de día fuerte, como en el desierto. Al final dan ganas de saber más sobre la historia y los personajes sobre los que la película fue inesperada, y todo esto sin hacerla parecer incompleta.
Le deseo que consiga distribuidor y que no dejen entrar a pubertos o inmaduros que se rían en las escenas más delicada (gore).

Skyskraber (Skyscraper)
(Rune Schjøtt, Dinamarca, 2010)
Generation 14plus

Jon ha sido solitario y desdeñado desde niño, a sus 17 años sigue teniendo la edad mental de su único amigo Ben, 9 años. Vive en un pueblo danés con su padre imperativo y su madre adicta a la bebida, que no alcohólica. Un día Jon se enamora de Edith, la hija ciega del abarrotero del pueblo.
Parece que los cineastas daneses tienen muy poco miedo para tratar ciertos temas que a otros pueden inquietar, y encima lo hacen con la mayor naturalidad. Cada uno de los personajes tiene algo que contar. Tierna, humana, sencilla, con una banda sonora refrescante y atractiva.

Y se acabó. Hasta la próxima oportunidad, esperando ver más cine y a los que son como nosotros y a los que son como quien sea. El cine es mágico.

Berlinale 2011 pt.3

In English

En Terrains Connus (Familiar Grounds)
(Stéphane Lafleur, Canadá, 2011)
Forum - Premio Ecuménico

Una familia en Quebec rural: el padre que vive con el hijo, y la hija con su esposo; el padre insiste en recordar la cena para recordar a la difunta esposa. Tres accidentes, reales o irreales, marcan el ritmo de la película con elipsis sensibles y actuaciones tan lacónicas como elocuentes; la mirada de la hija mientras trabaja en una fábrica no es una mirada perdida, es una mirada que invita a preguntarse qué es lo que mira; más adelante los rostros pensativos nos hacen aventurarnos a adivinar lo que ellos piensan. Un ligero y audaz toque de fantasía acentúa el episodio final, remarca la casi torcida estructura familiar.
Le deseo un distribuidor.

Stéphane Lafleur, director, junto a Fanny Mayette y Francis La Haye, actores de 'En Terrains Connus'

El Premio
(Paula Markóvitch, México/Francia/Alemania/Polonia, 2010)
Selección Oficial
Oso de Plata - Logro Artístico: Cinematografía / Dirección de Arte

La historia sensible y seria de 'El Premio' se basa en una joven madre y su espontánea y precoz hija viviendo en una casa frente a la costa argentina, ocultas, escapando tal vez de la dictadura; Cecilia, inquieta, recita una y otra vez la ensayada respuesta cada vez que alguien le pregunta sobre su familia, sin embargo al escribir para un concurso sobre el ejército y su labor, lo hace demasiado honesta. El elenco mayoritariamente femenino es fabuloso, pero son Ceci y su amiguita Silvia las que se llevan (y cargan) toda la película. El ritmo es excesivamente pausado, lento, muy lento, ver cruzar a Ceci la pantalla de derecha a izquierda no dice mucho de ella ni hace más interesante el paisaje.

Les Contes De La Nuit (Tales Of The Night)
(Michel Ocelot, Francia, 2011)
Selección Oficial

Cinta animada presentada en 3D sobre los trabajadores de un cine que recrean una serie de cuentos antes de que la noche acabe. Los cuentos, algunos menos aburridos que otros, pueden funcionar independientemente unos de otros; la animación no se excede en los elementos visuales, los personajes son presentados como sombras, como dando a las historias una mayor importancia que al factor visual. Sospecho que es demasiado arty-farty para el público mayoritario y tal vez demasiado ligera para el público exigente.

Tropa de Elite 2 - O Inimigo Agora É Outro
(José Padilha, Brasil, 2010)
Panorama Special

Las secuelas tienden a generar expectativas; 'Tropa de Élite 2', como su predecesora, usa un evento en particular para desencadenar una serie de acciones con consecuencias terribles. La película inicia y termina bien y es entendible que haya tenido un tremendo éxito en taquilla, criticar a las élites de poder es un gancho para las sociedades del siglo XXI; un discurso correcto y efectivo. Sin embargo, también es un discurso que no da para más que lo que ofrece, los lazos entre los caracteres, aunque no forzados, parecen ir más allá de las simples coincidencias; tal vez pudo haber sido más violenta, pero eso tampoco hubiera enriquecido la obra.

Wagner Moura, actor, María de Ribeir, actriz, y José Padilha (con gorra), director de 'Tropa de Elite 2'

Bu-dang-geo-rae (The Unjust)
(Ryoo Seung-wan, Corea del Sur, 2010)
Panorama

En Seúl un brutal asesinato sigue sin tener culpable, el caso sigue abierto. La corrupción domina, la academia de policía y el fiscal quieren dar con el culpable, aunque no siempre con los métodos más ortodoxos; todos tienen un interés adicional que les hace tropezar para conseguir hacer un trabajo limpio. Lo maravilloso de 'The Unjust' es el estupendo guion, donde la información parece llover a raudales, que más que confundir, mantienen ocupado al espectador, solo para hacer pausas en algunas de las bien ejecutadas escenas violentas. Las acciones de cada una de las partes interesadas tienen influencia en la manera de proceder de los demás.
Le deseo un distribuidor.

Berlinale 2011 pt.2

In English

Unknown
(Jaume Collet-Serra, Alemania/Reino Unido/Francia, 2011)
Selección Oficial fuera de competencia

Después de la escena de la persecusión el público rompió a aplaudir. Collet-Serra demuestra con cada película que quiere entretener, y si es posible haciéndolo bien y de forma más bien madura, o adulta. Liam Neeson sufre un accidente en Berlín, por lo que se mantiene en coma por varios días; cuando recobra el sentido tiene que luchar con la amnesia para recobrar su identidad, le ayudan un maravilloso Bruno Ganz y una Diane Kruger carente de expresiones. El pálido papel de su esposa corresponde a January Jones, protagonista de la TV serie Mad Men que desconozco, blasfemo de mí. La idea de ver en Berlín una película rodada en Berlín, a metros del mismo cine, es un plus para el factor entretenimiento.

Fjellet (The Mountain)
(Ole Giæver, Noruega, 2011)
Panorama Special
Dos mujeres viajan a una montaña, a hacer vacaciones, a estar en contacto con la naturaleza, a pensar en su relación, en el hijo que viene en camino, en el hijo que perdieron.
La idea de llegar a la cima de la montaña es de significado particular para las dos, enfrentando un fuerte trauma, y si es posible para reafirmar su amor.
Fotografía simplista y naturalista, dos actrices solventes, un argumento sin complicaciones, aunque no por eso fuerte, todo en menos de hora y media, íntimista.

Ole Giæver, director de 'Fjellet'

Saranghanda, Saranghaji Anneunda (Come Rain, Come Shine)
(Lee Yoon-Ki, Corea del Sur, 2011)
Selección Oficial
Una pareja joven en Corea: él (Hyun Bin), arquitecto; ella (Lim Su-jeong), trabajadora en una editorial. Los dos viven acomodadamente y tienen trabajos solventes. Ella, después de un affair, decide terminar la relación. El resto de la película se centra en el departamento aún de ambos, en un día particularmente lluvioso. El 'otro' y la madre de ella por teléfono, un gato y una pareja de vecinos con su presencia, parecen impedir que ella termine de empacar lo que quiere o tiene que llevarse. Él le ayuda a empacar, como si aceptara amable y estoicamente la decisión de ella. Después de varios años juntos, aprendieron a hacer muchas cosas juntas, incluso cocinar es como una coreografía armónica. La película es demasiado lenta, las acciones parecen ser más importantes que las expresiones. Funciona mejor con un buen café (o una situación personal similar).

Man Chu (Late Autumm)
(Kim Tae-Yong, Corea del Sur/Hong Kong/China/USA, 2010)
Forum
Tang Wei (Lust, Caution) es Anna, en la cárcel después de matar a su esposo; cuando su madre muere obtiene un permiso para ir al funeral en Seattle. En el camino se encuentra con un gigoló coreano (Hyun Bin). Ella es lacónica y clama haber cambiado aunque por fuera no lo parezca; él clama vivir bien y planea hacerlo mejor. El cielo eternamente gris de Seattle y los maravillosos contrastes de comedia/tristeza, realismo/fantasía, más las diferencias culturales coreanas y chinas hacen la lentitud y los esparcidos diálogos muy llevaderos. Los dos actores principales se mantienen en sus líneas de comedia (él) y tragedia (ella).
La película es un remake. Director y actor estuvieron presentes; el actor, Hyun Bin, provocó gritos de su multitud de fans (sobretodo de Corea y China) y más de una pregunta repetida, en una extendida Q&A pasadísima la media noche.

Hyun-Bin, actor principal, y Kim Tae-Yong, director de 'Man Chu'

Dance Town
(Jeon Kyu-Hwan, Corea del Sur, 2010)
Panorama
Una pareja vive en Pyongyang, Corea del Norte; él ayuda a su esposa (Rha Mi-ran) a escapar a Corea del Sur justo antes de ser atrapado. El resto de la película nos muestra a una norcoreana acostumbrándose a su nueva vida en Corea del Sur; desde demostrar que no es una espía hasta enfrentar las actitudes de la sociedad, en realidad desconocidas para ella, como la religión, el trabajo, el uso del alcohol. A la par que los personajes alrededor viven sus propios dramas, tal vez para acentuar la experiencia, como un lisiado, un policía mayor que aún no tiene novia, una adolescente embarazada... también el capitalismo tiene sus problemas. Desafortunadamente los sub-plots tienden a distraer más que a enriquecer.

Berlinale 2011 pt.1

In English

The Mortician
(Gareth Maxwell Roberts, Reino Unido/Estados Unidos, 2011)
Panorama

Presentada en 3D. Method Man interpreta a un hombre que trabaja en una morgue recibiendo y diseccionando cadáveres. La morgue está en un barrio tan lacónico como el mismo personaje. Le asignan como portero a un joven ex-convicto que oculta a un niño con cierto misterio. Un cadáver recién llegado tiene como tatuaje una Venus, que hace recordar al funerario su niñez. Supongo que usar la Venus de Boticelli como leit motiv le da un aire cultural a la película, cosa que en vez de abrir el interés solo logra acrecentar la comezón provocada por las gafas de 3D. Lenta, sosa, plana. Los atisbos sociales de los personajes secundarios desesperan más de lo que inquietan. Tanto el funerario como el portero tienen secretos, pero para desvelarlos un par de líneas hubieran sido suficientes y además hubieran hecho más corta la película, aunque no hubiéramos visto a Dana Fuchs o a un Edward Furlong muy cambiado.

Equipo de 'The Mortician'; Method Man segundo por la derecha, Maxwell Roberts al centro

Yelling To The Sky
(Victoria Mahoney, Estados Unidos, 2011)
Selección Oficial

En un barrio suburbano de Nueva York vive una adolescente incomprendida con su hermana mayor embarazada, madre negra inestable y padre blanco borracho. Tiene un inicio prometedor, ágil y con cierta violencia apremiante. La joven enfrenta a un trío de chicas malas en la escuela y tiene un amigo que distribuye drogas. Un día decide poner un alto tanto a su familia como a sus acosadoras y empieza a sumergirse en el bajo mundo de las cosas inmorales. Otro día decide resurgir, y es que nunca va ni demasiado hondo ni más allá de la superficie; sus actos, así como los de sus amigos y los de su hermana cambian como si se cambiara de canal en la televisión. Muy moralista y sin moraleja.

Schlafkrankheit (Sleeping Sickness)
(Ulrich Köhler, Alemania/Francia, 2011)
Selección Oficial - Oso de Plata: Mejor Director

Un amigo me comentó una vez que Christoph Waltz estaba fenomenal en 'Inglorious Basterds' hablando naturalmente en inglés, alemán, francés e italiano. Supongo que actuar en varios idiomas en la misma película tiene su mérito. En 'Schlafkrankheit' un médico alemán vive en Camerún conduciendo una serie de estudios sobre la enfermedad del sueño y habla perfectos alemán y francés. La película intenta por una parte ser crítica sobre los recursos de la Organización Mundial de la Salud destinados a países pobres, y por otra mostrar los predicamentos de un médico honesto en circunstancias corruptas. La parte crítica se reduce a un discurso panfletario. La parte humana se reduce a los clichés: los africanos son corruptos y poco inteligentes; los franceses hacen todo siempre y cuando estén cómodos; los alemanes hacen todo correctamente.


Coriolanus
(Ralph Fiennes, Reino Unido, 2011)
Selección Oficial

Ralph Fiennes dirige una adaptación de una obra de Shakespeare ambientada en la actualidad. El soldado Coriolanus ha defendido a Roma orgullosamente y hace alarde de sus cicatrices orgullosamente. Aufidius es un Volsciano que dirige un ejército al acecho para atacar Roma. Gran parte del pueblo romano pasa hambres y se muestra descontento cuando Coriolanus es nombrado Cónsul. La adaptación es interesante, y si es fiel a la original de Shakespeare, es un indicativo que como sociedad no hemos cambiado casi nada: el uso de teléfonos para grabar eventos y la presentación en TV de políticos ocasionan en el pueblo lo mismo que hace 20 siglos. El uso del diálogo shakespereano, en vez de meterme en la historia, me hacía recordar que estaba viendo siempre una película, muy, pero muy ajena. Mención especial merecen las escenas violentas.

Queso Blanco

In English

Desde que vivo solo es más fácil encontrar cerveza que leche en el refrigerador; mi consumo de leche se ha casi nulificado. Sin embargo casi siempre tengo un tetrapack de medio litro a la mano, por ejemplo para visitas.
El problema es que es difícil encontrar leche "para solteros", quiero decir en un tamaño considerablemente pequeño. Es ridículo ver leche en tamaño superior más barata que en tamaño mediano. Una vez abierta la leche hay que beberla en los siguientes tres o cuatro días. O tirarla. O hacer algún postrecillo como arroz con leche. O intentar hacer queso.

El queso blanco en cuestión es fácil y con un sabor tan ligero que puede acompañar un guacamole o adornar un mole sin eclipsar el sabor original.

* Leche
* Vinagre de vino blanco o jugo de limón
(por cada litro: 15 a 20 ml de vinagre o el jugo de un limón)



Puse la leche a calentar a fuego lento, siempre moviendo para que no se queme. Debería tener un batidor pero me las arreglé con un tenedor.



Una vez caliente, agregué 10 ml de vinagre (era casi medio litro de leche). Pensé en usar el jugo de medio limón, tal vez en el próximo intento. La leche empezó a cuajar, continué moviendo por casi 10 minutos.



Vacié la leche en un filtro de café bien puesto sobre un colador. Se puede usar un trapo fino.



Envolví el cuajo en el filtro. La idea es dejar enfriar mientras el cuajo cuelga, para que siga drenando, por unas horas.



Una vez frío, el queso ya está listo. Puede partirse y untársele sal.



Listo para acompañar. Ya no hay pretexto para tirar la leche que nadie se bebe. Ni para echar de menos el queso cotija :)

Hamburg Film Fest 2010

In English

No muchas anécdotas. Solo la falta de tiempo y a pesar de ello el reencuentro con algunos de ellos, los que son como nosotros. Curioso es que poco antes del festival pude ver 'The Human Centipede (First Sequence)' en una muestra de slash y 'Tres Caminos Al Lago', telefilme de Haneke en una restrospectiva suya. Y después pude finalmente ver 'Ponyo' de Miyazaki con la comodidad del doblaje.
Desde ayer corre el Festival de Cine Lésbico/Gay, y dada la falta de tiempo, dudo ver siquiera el póster...

The Good Heart (Dagur Kári, Dinamarca/Islandia/Estados Unidos/Francia/Alemania, 2009)
El director islandés Dagur Kári rueda en inglés una historia simple y directa basada en Nueva York. Jacques (Brian Cox) es dueño de un bar y tiene un corazón frágil, después de uno de sus ataques es internado en un hospital donde conoce a Lucas (Paul Dano), un joven indigente que intentó suicidarse. Jacques recoge a Lucas y le hace bartender, esperando (o planeando) que en el futuro, Lucas pueda hacerce cargo del bar. Lo mejor de la película es la atmósfera creada en el bar. Que Jacques es gruñón y Lucas es inocentón es una labor que recae más en los actores que en el guión o director, no se menciona casi nada sobre el pasado de los dos. El final, aunque previsible y sentimental, es justo y preciso.

O Extranho Caso de Angélica (Manoel De Oliveira, Portugal/España/Francia/Brasil, 2010)
Alguien me dijo una vez que si a Don Manoel le dieran las cámaras de seguridad del McDonalds para rodar una película, él lo haría. En una escena, Isaac, el médico, observa a lo lejos a un grupo de obreros trabajando a la antigua; recoge su cámara y va a verles de cerca, a fotografiarles; su casera le dice que no es interesante, trabajan de una forma anticuada como ya nadie lo hace. Isaac es un fotógrafo al que le piden fotografiar el cuerpo de la recién fallecida Angélica. Tras tal experiencia, Isaac empieza a comportarse de forma inusual, ausente, tanto que parece haberse enamorado de Angélica, cuya última imagen es la de una bella mujer sonriente (Pilar López De Ayala).

Korkoro (Tony Gatlif, Francia, 2009)
Sala casi vacía, cosa que me sorprendió un poco, aunque Gatlif no es una vaca sagrada, sí que es respetada, o al menos eso imaginé. Durante la Segunda Guerra Mundial, los gitanos no son bien vistos en Francia, un pasaporte francés no les basta para ser enviados a campos de concentración o deportados; cualquier asentamiento nómada puede ser levantado. A Taloche y su comunidad se les une un niño francés, en busca de una familia. Taloche y compañía llegan a un pueblo donde Madame Lundi (Marie-Josée Croze) les proporciona pasaportes e intenta hacerles ver la necesidad de la educación. Es una historia basada en un caso real (durante la Segunda Guerra Mundial). Los rumores dicen que es la primera película sobre Gitanos víctimas en la Segunda Guerra. Un placer ver a Marie-Josée Croze, en un personaje inspirador, también inspirada en un personaje real de la Resistencia.

Armadillo (Janus Metz Pedersen, Dinamarca, 2010)
Presentada como un documental, y según los rumores, el documental que ha dado media vuelta al mundo y ha puesto a los daneses a debatir sobre la presencia danesa en Afganistán. Es más bien una cámara (o más de una) siguiendo a un grupo de soldaditos hermosos daneses desde su despedida en Dinamarca (con bellas tetas) hasta su llegada a Afganistán y los siguientes 6 meses que dure la misión a la base de avance Armadillo. La naturalidad y falta de una voz en off hacen olvidar el documental, pues parece ficción. La película no cuestiona mucho las acciones o táctica, después de todo es el público el que lo hace; la película se limita a mostrar tanto acciones como tácticas, y también las reacciones de los soldaditos, que bien pueden implicar victoria, o ansia, o rabia... Al final hay una suerte de epílogo, sobre el posible futuro, los planes, de varios de los chicos. Le deseo que consiga distribuidor.

Daifuku Mochis

In English

Dede que tenemos el cocinador de arroz hago Onigiris casi a diario.
Y no me quise quedar con las ganas de intentar hacer mochis. O propiamente, Daifuku Mochis.

Tuve la oportunidad de conocerlos en 2007 y me encantaron. Siempre sospeché que era una cosa laboriosa o tarea interminable: equivocado. Sin embargo, es necesario indicar que no a todos les han gustado como a mí, a algunos desde la simple apariencia, a otros por la textura, a algunos por el sabor. Entonces, tal vez no sea precisamente algo para hacer sin antes haberlos probado.

100 gramos de Shiratamako (harina de arroz glutinante) o Mochiko (harina de arroz) (como no tengo báscula, he usado 1 taza)
100 mililitros de azúcar (no sé cuánto sea en gramos)
150~160 mililitros de agua
Katakuriko (fécula de papa) (suficiente para esparcir y untar).
150 gramos de Anko (pasta dulce de fríjoles rojos)

Tener listo el relleno de los Daifuku. El anko, o pasta dulce de fríjoles rojos es tradicional. Otras versiones pueden incluir frutas de temporada; es usual el uso de fresas, kiwis, mango o melón. Se puede envolver la fruta con un poco de anko, o usar simplemente la fruta. Este caso no sería únicamente debido a la falta de anko, sino que también a muchas personas simplemente no les agrada la idea de comer una pasta dulce de fríjoles (una latita de anko puede verse en la tercera foto).

En un cuenco, poner la harina de arroz (yo he usado el del cocinador de arroz), después poner el azúcar, y el agua. Mezclar con una espátula de silicona o madera hasta que los grumos casi desaparezcan.

Nota: la mezcla es básicamente insípida, solo ligeramente dulce. A la mezcla se le puede agregar algún colorante, o extracto de vainilla para el aroma. Me vi tentado a poner ron o amareto, pero no sé cómo sería el resultado.

Lo que sigue es 'cocer' la mezcla. Yo puse el cuenco en el cocinador de arroz y lo dejé cocer al vapor por casi 10~12 minutos, moviendo una o dos veces.
Se supone que se puede poner por 2~3 minutos en el horno de microondas. Una tercera opción es cocerlo a baño maría.


Mientras la mezcla se cuece, esparcir suficiente fécula en un plato grande y plano. A falta de Katakuriko se puede usar maizena.

Cuando la mezcla esté lista, una pasta traslúcida pegajosa, ponerla sobre la fécula. Lo siguiente es crear suficientes mochis. La cantidad de ingredientes permite de 8 a 10 unidades. Antes de agarrar la mezcla, untar suficiente fécula en las manos, la mezcla es realmente pegajosa.

Lo más fácil es coger la mezcla y dividirla en dos partes, cada mitad en otras dos y así hasta alcanzar la cantidad necesaria. En mi primer intento hice 10 bolitas.
Tomar cada una de las bolitas, aplanarlas y poner en el centro un poco de relleno, ya sea anko, o fruta o los dos. Cerrar hasta dar forma más o menos ovalada.
Pasar el Daifuku sobre la fécula, para evitar que se pegue a otros Daifukus o a las manos. Evitar untar azúcar glass, pues el sabor dulce puede arruinar el delicado sabor del Daifuku.


Y ya. Enfriar un poco antes de presentar.

En mi segundo intento usé colorante, extracto de vainilla, y rellené con fresa y anko. El resultado es una explosión de texturas: primero la fécula fina, después la traslúcida mezcla de harina arroz, después la aterciopelada crema de anko y finalmente la suave y erótica fresa.

Ricos, visualmente interesantes y veganos.

Honor a quien honor merece:

Enter The Void

In English

(Gaspar Noé, Francia/Alemania/Italia, 2009)

Algunas obras de arte son inspiradoras. Algunas inspiraciones surgen de otras obras de arte. Supestamente Gaspar Noé se inspiró en una película, 'Lady In The Lake' (R.Montgomery, 1947, Estados Unidos) para hacer 'Enter The Void'. Los quisquillosos dicen (¿decimos?) que en realidad tuvo ganas de hacer algo similar: contar una película de forma subjetiva. Dado el resultado, es fácil imaginarse que otra fuente de inspiración fue el vídeo 'Smack My Bitch Up' de Jonas Akerlund para The Prodigy. Si hubiera visto 'Stay (I Missed You)' de Ethan Hawke para Lisa Loeb/Nine Stories, tal vez hubiera usado lubricante para entrar al vacío.
Oscar y su hermana viven en Tokyo; él vende drogas en su tiempo libre, ella es bailarina, stripper; tras la muerte de Linda, Oscar regresa para cuidarla. Que una historia se puede contar de mil maneras no hay duda, pero de Gaspar Noé es mejor esperar algo que puede perturbar no solo la mente, sino también los sentidos, hasta donde llega el cine, cuando menos la vista y el oído.
Oscar tiene algunos amigos, Victor y Alex; éste último le regala un libro, el Libro Tibetano de los Muertos. Oscar duerme en un edificio en Tokyo, sale a la calle, se mueve en el submundo de la ciudad, y le gustaría ver a la misma desde arriba. A Linda le da miedo. No es hasta que Oscar muere y está en la búsqueda del camino de regreso para estar cerca de su hermana cuando puede ver la ciudad como desea realmente verla; no es voyeurismo, pues eso es demasiado simple. Aunque sería bueno que las paredes de algún Hotel de Amor fueran transparentes, pues vería así a sus amigos cogiendo. Tal vez hasta sea posible ver a los personas desde dentro. El viaje de regreso puede recordar a los viajes bajo efectos químicos.
La subjetividad de Oscar abarca desde su infancia hasta su muerte y más allá. En el mundo real y en el químico y más allá. 'Enter The Void' parece al inicio una apología al consumo de químicos. Algunas imágenes eclipsan el morbo, como las inquietantes tetas de la actriz Paz De la Huerta y el close up de un aborto. La banda sonora y los excesos de imágenes estroboscópicas pueden resultar molestas, y no aptas para epilépticos. Las secuencias interminables y sin cortes son una proeza visual, merecedora de respetos y de premios, pero a lo largo de 160 minutos parece más un reclamo.

(Click en la imagen para ver el Making-of)

El gazpacho de Nadia

In English

Para el verano sabe bien, y sabe mejor si otra persona me invita (lo hice una vez y no me salió muy bien).

Medio pepino
5 -6 tomates maduros
1 pimiento rojo o verde
1 trozo de cebolla
1 diente de ajo
trozos de pan duro (del día anterior)
aceite de oliva (extra virgen)
un chorro de vinagre (de vino blanco si es posible)
sal
pimienta

Si el pan es muy duro, remojarlo con un poco de agua.
Cortar en trozos los tomates, el pepino, el pimiento, la cebolla y el ajo. Poner todo junto al pan en la licuadora, agregando agua, aceite, vinagre, sal y pimienta, hasta conseguir la consistencia, sabor y picor deseados.
Pasar la mezcla por un colador para deshacerse de los trocitos de cáscara del pimiento y otros grumos.
Poner al refrigerador.
Servir frío, con un chorrito de aceite de oliva en la superficie.

Rico, fácil, saludable y, si el pan es sin huevo, vegano (ignorar el chorizo en la foto). Como plato primero queda más que bien.

Nota: dicen los conocedores que cada vez va a salir diferente, dependiendo de la calidad y cantidad de los ingredientes utilizados.

Fantasy Film Fest 2010

In English

Se acabó otra vez. Aunque esta ocasión fue menos intensa, tal vez por la falta de tiempo o el aumento de los precios de los ticketes o porque las películas simplemente eran poco atractivas. Menos de los que son como nosotros, que en años anteriores.

Black Death (Christopher Smith, Reino Unido/Alemania, 2010)
Rodada en los bosques sajones alemanes. En los tiempos de la peste negra los habitantes de un pecular pueblo viven seguros y sanos, a quienes un grupo de mercenarios intenta visitar, guiados por un joven monje enamorado con el permiso de su abad. Para los 'fans', fue un imán ver a Sean Bean, Eddie Reymane y Carice Can Houten juntos dirigidos por Smith. La primera parte es como una 'road movie' en el bosque, donde no se conduce a nada; en la segunda parte el asunto mejora e intenta poner cara a cara a dos partes moralmente equivocadas y ambiguamente criticables. El joven monje en cuestión mantiene la misma expresión inexpresiva en toda la película, incluyendo el ridículo epílogo. El director estuvo presente.

Somos Lo Que Hay (Jorge Michel Grau, México, 2010)
Algo me dice que es una tesis universitaria. El padre de una familia de caníbales en Ciudad de México fallece, su familia enfrenta el problema del abastecimiento de carne sin el padre. En una escena, un policía perezoso intenta resolver un caso por cuenta propia, para lograr algo por sí mismo; sospecho que lo mismo le ocurrió al director/guionista, no revisó bien su guion ni lo pulió lo suficiente: los simbolismos del principio y del final "requieren una explicación". Buenas actuaciones, sobretodo de la madre y del hermano mayor. Un cameo de Daniel Jiménez Cacho brillante.

Chatroom (Hideo Nakata, Reino Unido, 2010)
Una película con adolescentes que cumple su cometido. Cinco adolescentes de Chelsea se reunen para chatear, se conocen sin conocerse, y finalmente tienen en común que se incitan a hacer actos violentos o al menos inusuales. Como es de imaginarse, uno es más manipulador, otro es más débil, otro es más moralista... dentro de todo tiene el acierto de mostrar a adolescentes vulnerables que en el cyber-mundo muestran lo contrario: realismo en partida doble. También es interesante el uso de Internet como recurso cinematográfico.

Traspatio (Carlos Carrera, México, 2009)
Casi todo lo que ocurre en Ciudad Juárez, México, es narrado en los primeros minutos; el resto de la película se centra en varios personajes que más directa que indirectamente se ven ligados a la delicada situación de la ciudad. No hay soluciones ni explicaciones definitivas, pero todo el espectro de hechos pueden resultar fuertes o difíciles de digerir para quien las busque. Tal vez entre las intenciones esté lo que hace uno de los personajes: atraer atención, pues ver hoy en día lo que sucede en Ciudad Juárez, ya no es noticia. Un guion brillante, dramaturgia clásica; diferentes niveles políticos, sociales y de comunicación. Acertador que algunos se comuniquen en su lengua indígena. Al final uno piensa que si se quiere hacer algo, es mejor empezar en casa.

The Disappearance Of Alice Creed (J Blakeson, Reino Unido, 2009)
La más esperada, al menos para mí (y finalmente una película sin muertos -incluyendo las extra-fff).
Dos tipos secuestran a una tipa. No se puede ni debe decir más. Solo estos tres personajes y la mayor parte de la película ocurriendo en un departamento en alguna parte del Reino Unido, más los últimos 15 o 20 minutos afuera de él; uno que otro twist en el momento (y lugar, nunca mejor dicho) indicados; la tensión es constante, el humor no es involuntario, con el estilo de 'Shallow Grave', acento escocés incluído. Las intenciones de cada uno de los personajes invitan a sacar conclusiones.


Tuve que perderme 'Brotherhood', 'Outrage' (Takeshi Kitano), 'Enter The Void' (Gaspar Noé), 'Rubber' y otras más. Usé el tiempo para ver en cines cercanos 'Mother' (Joon-Ho Bong) y 'Yi Yi: A One And A Two' (Edward Yang). No escuché muchos rumores en los pasillos como en años anteriores, tal vez porque los organizadores hacen sus fiestas predecesoras a lo largo del año. Hasta el año que viene, esperando ver más películas y a más de ellos, los que son como nosotros.

Mapa De Los Sonidos De Tokio

In English

(Isabel Coixet, España, 2009)

La ciudad: Tokio.
El padre de Midori es un adinerado Magnate. Su novio, David, es un español que atiende una vinoteca. Tras el suicidio de Midori, su padre busca comprar un inhumano remedio para su arrasadora melancolía, y David cae en una ambigua tristeza.
Ryu trabaja en el mercado de pescado por las noches; en otras ocasiones es una asesina a sueldo.
Ryu y David se conocen de forma lacónica en la vinoteca. Se conocen en forma más íntima en un invitante y tematizado 'love hotel', suerte de motel en Japón donde parejas van a "hacer el amor".
El pretencioso título (como otros títulos de Coixet) parece intentar aclarar que esta película no va a ser una postal folclórica de la metrópolis nipona; invita al espectador más a escuchar que a ver. La voz narradora justifica el porqué del título y cuenta justo lo necesario, sin excederse. Y no se excede porque en realidad no hay mucho qué contar. La inexacta aritmética de 'Sentimientos' más 'Asesino' sobre 'Metrópolis' no es precisamente algo nuevo, tal vez por eso pareciese fácil de proyectar, sin embargo mucha de esta responsabilidad es delegada pacientemente en un par de actores que deben recurrir más a sus acciones que a sus palabras: Ryu descuartizando un atún, David sacándose un pelo púbico de los dientes, Ryu limpiando una lápida o el sangriento suelo del mercado, David jugueteando con una copa de vino. Sin embargo tales acciones no nos dicen más de ellos que lo que ya sabemos, como si la cámara olvidara mostrarnos lo que ignoramos. Sabemos que a Ryu le gustan los mochis y la vemos comiéndose algunos; sabemos que a David le gusta cantar el en karaoke 'Enjoy The Silence' y le vemos haciéndolo. No sabemos el o los motivos por los que Ryu mata. Ni sabemos cómo inician los días de David aunque es claro que no con sushi. Tal vez no es relevante después de todo.
Un gran acierto es la forma en la que Rinko Kikuchi muestra los cambios de humor (que no ánimo), entre su seca y fría mirada primero, y sus sonrientes ojos cerrados después. Otro es ls romántica y elocuente banda sonora. Y después de todo sí hay uno o dos momentos folclóricos como los flashmobs o el tipo vestido con hojas en la estación.
La versión que me tocó ver fue la doblada al alemán, así que David hablaba fluido alemán tanto en Tokio como en Barcelona. No me enteré si Sergi López aprendió de forma fonética sus diálogos).

Liars 'Sisterworld' (2010)

In English

La idea de que a Tom Yorke le gustan, que hasta un rémix le hizo, es casi olvidarse de las virtudes propias de 'Sisterworld', de Liars.
'Scissors' abre el plato, con la voz profunda, baja de Angus Andrew, seguida de una armónica dosis de bajos y chelos que trabsforman la voz en coro y rompen con una deliciosa distorsión. El cd no se deja despreciar, de principio a fin y el conjunto coral constante sobre el bajo rampante, puede lo mismo musicalizar pesadillas que calientes tardes de verano.
'No Barrier Fun', 'Drip' mantienen el ritmo estandarizado que no aburrido; en 'Heres Comes All The People', un teclado se confunde con los indiscretos susurros; 'Scarecrows On A Killer Slant' y 'The Overachievers' no deben faltar en las fiestas o pistas rockeras u oscuras. 'Proud Evolution' y 'Drop Dead' coquetean con el pop alternativo que busca un puesto en las listas, aunque solo por un rato. La maravillosa 'I Still Can See An Outside World' inicia con soniditos que recuerdan una cajita musical, y las harmonozadas voces encima seguidas por el bajo jugueteando con los platos remiten a cuando menos alguna ermita perdida en el otoño. 'Goodnight Everything' es intensa y juega con el clímax con algunos murmullos incomprensibles. 'Too Much, Too Much' cierra el cd como una canción para dormir con sus coros en canon repetitivos.

Existe una versión 'deluxe' del cd, que incluye un CD con remezclas: Tom Yorke hace'Proud Evolution', Tunde Adebimpe de TV On The Radio hace 'Scarecrows...', Melvins hacen 'Goodnight Everything', Kazu Makino de Blonde Redhead hace 'Drip', NON hace 'I Still...'

Tuvieron un concierto planeado en el Indra de Hamburg, desafortunadamente, poco antes de iniciar, los miembros de la banda se marcharon, alegando que "las bocinas no eran de su agrado" (según me dijeron al intentar entrar). Tal vez sea una muestra más de profesionalismo que de vedettismo.

Liars "Scissor" from A Bruntel on Vimeo.

Unfinished dialog

Rather a sheet of paper than a canvas
as if I'd write something on your skin
You talk, paying attention is a pleasure
sometimes I think I don't understand you though
the thirst makes my throat dry
discretely, I deviate my eyes and ask to your skin
easier to follow, my attention is sharper

Your skin tells me about last week,
it tells me about last cry too,
I notice and share certain calm
for we don't meet face to face quite often,
it refuses to tell me about the last joy,
...your voice still echoes,
I'm sorry I didn't listen to you

A complete cartography, lots of stories
my curiosity awakes from hibernate
I will eventually know some of them
...was my thought, when your voice again echoed,
Oh, yeah, I listen to you,
yet I am not sure of understanding

Is it perhaps an answer you're waiting for?
may i say a word, "friendship" perhaps,
your frowned front questions something else,
your blushed cheeks requires a reply,
I am sorry, I don't have any more answers
My curiosity woke up, but don't you worry
the next winter it'll hibernate again

JP
14.07.2010

Sobre Dogma

In English

- El movimiento 'Dogme 95' fue iniciado en 1995; la primera película Dogma, fue estrenada en 1998 ('Festen' (Dogma 1)).

- Aunque el rasgo más notorio de las películas Dogma es la cámara en mano, no es el único. No todas las películas rodadas con cámara en mano son Dogma. Ni 'Y Tu mamá También', ni '4 Luni, 3 Saptamâni Si 2 Zile' son películas Dogma.

- Es cierto que algunas películas Dogma pudieron comercializarse por ser Dogma ('Mifunes Sidste Sang' (Dogma 3), 'Elsker Dig For Evigt' (Dogma 28)); sin embargo, el movimiento no fue creado como una estrategia publicitaria; fue más bien una travesura de Lars von Trier, Thomas Vinterberg y otros, quienes escribieron una serie de reglas en papelitos que fueron esparcidos en una reunión en Francia sobre los 100 años del cine.

- Lars von Trier tal vez fue el principal aportador de ideas para las reglas (o mandamientos) de Dogma 95. A pesar de eso, él no hizo la primera película Dogma, hizo la segunda ('Idioterne' (Dogma 2)), estrenada en 1998. Y esa ha sido la única película Dogma que ha hecho. Ni 'Breaking The Waves', ni 'Dancer In The Dark' son películas Dogma.

- Las películas Dogma no son las primeras (ni las únicas) rodadas con cámara en mano.

- 'Dogma 95' fue ideado por daneses, pero no todas las películas danesas son Dogma. Ni 'Brødre' ni 'Arven' son películas Dogma.

- La primera película Dogma no europea, es 'Julien Donkey-Boy' (Dogma 6) de Harmony Korine, producida en Estados Unidos. Sin embargo, la primera película Dogma hablada en inglés (y francés) es 'The King Is Alive' (Dogma 4) de Kristian Levring.

- La primera película Dogma no danesa es 'Lovers' (Dogma 5) de Jean-Marc Barr.

- Paprika Steen es la única persona que ha actuado (trabajado en general) en las tres primeras películas Dogma.

- 'Dogma 95' no ha sido el único conjunto de reglas o restricciones a las que Lars von Trier recurre para explorar la creatividad. En 'De Fem Benspænd' le pone una serie de reglas a Jørgen Loth para rehacer el corto 'Det Perfekte Menneske' en varias versiones; junto a Anders-Thomas Jensen creó 'The Advance Party', que dio por fruto 'Red Road' de Andrea Arnold; hace menos tiempo recurrió a 'Automavision' para 'Direktøren For Det Hele'.

Kabaret Kino 2010

In English

Una oportunidad para mucha gente de hacer cortos en poco tiempo y compartirlos.

Hamburger Kino es un grupo de gente inquieta en Hamburgo que hace cortos y cada cierto tiempo los presenta, hace una función. Entre la gente hay desde estudiantes de cine hasta simples entusiastas. Los estudiantes de cine son desde teóricos hasta prácticos: balance perfecto (fuera egos). El grupo no tiene un local propio, pero hace las funciones periódicas en un conocido bar con espacio cultural, la Haus 73.

Como el Hamburger Kino existen grupos similares en todo el mundo. La mayoría parecen ser en países francófonos.

Kabaret Kino es una genial idea, consistiendo en una semana en la que los miembros del Hamburger Kino, otros grupos hermanos, o cualquier persona interesada y con ganas, se reúnan a hacer lo que les apasiona: cine. En formato corto. Se hacen rondas o sesiones, cada una de dos días. En el primer día la gente presenta sus proyectos y menciona lo que necesita para llevarlo a cabo; el resto del día, si las necesidades se satisfacen, se lleva a cabo el rodaje. En el segundo día los creadores trabajan editando; al final del segundo día se hace la función presentando los cortos que hayan logrado ser terminados.

El Festival de Cortos de Hamburgo apoya al Kabaret Kino de Hamburger Kino y las funciones forman parte del programa, cual sección paralela.

Hamburger Kino usa el espacio cultural de la Haus73 para las charlas y presentación de algunas funciones. También es el llamado Kino-Lab, con Macs equipadas con Final Cut para que los creadores trabajen, así como equipo básico, algunas cámaras y micrófonos. Los asistentes sin embargo son invitados también a traer y compartir su propio equipo, y ni qué decir de sus talentos.

El Kabaret Kino de Hamburger Kino de este año acabó con una enorme cantidad de cortos, más los aún no terminados. Fueron cuatro sesiones/rondas, la última dedicada a cortos silentes, que en su función fueron presentados con música en vivo. La mayoría de los cortos están en el canal de vimeo de Hamburger Kino. Con un poco de suerte y paciencia se pueden ver otros cortos rodados durante el evento.

Al final, para qué negarlo, uno acaba cansado, molido, contento, contento, contento... así haya participado en solo dosrondas/sesiones.

Hasta la próxima vez en ¿Mainz? ¿Bratislava? o ¿porqué no en algún lugar de México?

Japanisches Film Fest Hamburg 2010

In English

Tajomaru (Hiroyuki Nakano, Japón, 2009)
El nombre del director es el mismo que aquél quien dirijiera el vídeo 'Groove Is In The Heart' de Deee-Lite. Y tiene en su currículum hits como 'Stereo Future' (2001), que inspiró a Quentin Tarantino la escena del restaurante de 'Kill Bill Vol 1'. Tajomaru es un temerario bandido en los tiempos de los Samurais, poseedor de una legendaria espada; Tajomaru es casi un título, quien mata a Tajomaru, toma el rol. Intrigas palaciegas entre el hermano menor del heredero de un diputado del Shogún, un mendigo a quien hace servidor suyo, su amada quien es hija de un aristócrata dueño de una urna llena de oro, el hermano mayor heredero, el mismo Shogún... y un grupo de bandidos estilizados

Goemon (Kazuaki Kiriya, 2009)
Kiriya trajo 'Casshern' hace 6 años, con un estilo visual exagerado y una historia tan interesante como entrevesada. 'Goemon' es un festín visual menos exagerado, mucho más sofisticado y una historia más intrigante que entrevesada. Goemon es el equivalente japonés de Robin Hood, entrenado como Ninja, siempre cuidando de Chacha, la hija de su maestro, cuya muerte parece estar vinculada a los déspotas deseos de un aristócrata quien anda en busca de una cajita de Pandora y de la bella Chacha. Nonjas voladores, césped agitado por el viento, vestidos y paisajes de diseñador, personajes incompletos (¿o se dice planos?).

Summer Wars ('Samâ Wôzu', Mamoru Hosoda, 2009)
El título podría ser referencia a la ochentera 'War Games'. Kenji es invitado a un trabajo de verano, por la chica más popular, en la mansión familiar de ella. Sorpresivamente ella le presenta como el novio oficial. Lo cierto es que Kenji es un genio matemático que conoce muchos detalles de OZ, el mundo virtual en el que todo mundo tiene cuenta propia, incluyendo un simpático avatar. Kenji rompe un código por curiosidad, que lleva a que un avatar maligno se coma a casi todos los demás, creando caos en el mundo real, a punto incluso de detonar una guerra. Referencias discretas visuales y sonoras a Miyazaki; sutil empalme del mundo virtual con el real; visión detallada de la vida familiar japonesa; y un clímax innecesariamente largo. Bueno, es un anime.

Sad Vacation (Shinji Aoyama, Japan, 2007)
Kenji se queda con un niño chino después de un incidente con inmigrantes ilegales. También es responsable de Yuri, una noble chica con cierta discapacidad. Una chica llega a pedir trabajo a un centro de transporte, cuyo dueño es esposo de la madre de Kenji, una señora madura con un aparente buen corazón y ganas de ayudar a quien lo necesite. El hijo de los dueños de la pequeña empresa, Yosuke, es un poco rebelde, y en la trastienda, una suerte de comedor colectivo, viven otras personas con ciertos problemas sociales. Pronto Kenji, junto al niño y Yuri se mudan a la gran familia. Mientras tanto Kenji embaraza a su pareja y reflexiona sobre la necesidad de la paternidad, y sobre una venganza con su madre. 'Sad Vacation' en sus más de dos horas se centra en Kenji, pero da importancia a prácticamente todos alrededor suyo, e invita a pensar en la paternidad, como deseo y como necesidad.
Aparentemente es la secuela de 'Helpless' del mismo director.

Chocolate Underground ('Chocoreeto Andaaguraundo', Takayuki Hamana, 2009)
En una Europa futurista, el partido regente, GFY (Good For You) ha prohibido el consumo de chocolate, y potencia el consumo de productos orgánicos y saludables (e insípidos, a decir por la cara de los ciudadanos). Estirando esta idea, 'Chocolate Underground' tiene todo para pasar casi dos horas a gusto: tráfico ilegal de chocolate, secretas intenciones del gobierno, corrupción, campos de concentración para disidentes, propaganda masiva del gobierno y su partido y sus ideales, y un grupo de héroes. Los héroes son el simpático Smudger y el racional Huntly, estudiantes de secundaria al igual que la ñoña y obediente Myrtle y el presidente de la clase Franky; también les ayudan Louise, la de la tienda de repostería, y Blades, dueño de la antigua biblioteca, única fuente de información no censurada. El padre de Smudger, panadero, echa de menos las sonrisas de los clientes, que se conforman con el insípido y saludable pan aprovado por el Gobierno. No sé si sea una película bienintencionada, tal vez no sea 'Farenheit 911' o 'La Ley de Herodes', pero sería interesante verla en algún país (europeo o no) en tiempos de elecciones. Muchos detalles exagerados (como buen anime) recuerdan eventos reales. Un anime para disfrutar. Y pensar un poco. Y al salir me dieron ganas no solo de comer una barrita de chocolate, sino también de compartirla con alguien.

El Desayuno
Este año fueron dos los días con desayuno. Solo fui el Sábado. Te verde, bolitas de arroz, algas, verduras y hasta el temido nato antes de entrar a la primera película del día. Hasta el 2011. Arigato gozaimasta.

Memory Tapes 'Seek Magic' (2009)

In English

La sola tapa del cd 'Seek Magic' de Memory Tapes fue lo primero que me atrajo, y me hizo prejuzgar que la música sería una colección de tracks arty-farty para una noche de verano. No.
Por otra parte pude escuchar y leer ciertos juicios a posteriori (¿o postjuicios?) en donde, para variar, se les criticaba por no ser originales: que recuerdan, por no decir copian, a New Order o a Robert Smith.
Puestos a escuchar, la primera rola 'Swimming Field', inicia lenta, un poco lounge y desencadena el resto de los tracks, que no son precisamente lentos. El segundo, tal vez el mejor de todos ellos es 'Bicycle', y solo por esta rola vale la pena escuchar el resto; es la que más recuerda a New Order, para qué negarlo, y la parte final aleja todo atisbo de lounge para acercar ya sea auriculares sobre la cabeza o pistas de baile bajo los pies. Mejor los auriculares.
Memory Tapes es solo el nombre de batalla del proyecto de Dayve Hawke, y se las juega de hombre-orquestra, y sale bien parado. 'Graphics' y 'Pink Stones' tienen todo para ponerse en listas y pistas, o para musicalizar cualquier video musical. 'Plain Material' coquetea con el pop hasta que entra la discreta segunda parte, con grititos y sintetizadores, harmónico, elegante. 'Run Out', la última rola se acerca a los 80s (no quiero decir "se aleja de los dos miles").
'Seek Magic' también va acompañado de una rola instrumental de más de 20 minutos, 'Treeship', que se puede bajar desde su sitio en MySpace.

These New Puritans 'Hidden' (2010)

In English

(Prinzenbar, Hamburgo, 22/Abril/2010)

Cuenta la leyenda que Hedi Slimane, diseñador de alta costura y seguidor de música indi, le pidió a Jack Barnett música para su desfile para Dior hace algunos años. Usando la leyenda como columna, las ramas crecen solas; Jack tenía un proyecto musical y pidió ayuda a su hermano George, quien tenía interés en el mundo de la moda y en algún momento posterior fue asistente y muso del mentado diseñador. Junto al hiperactivo Thomas Hein y a la llamativa Sophie Sleigh-Johnson, sacan un primer CD, 'Beat Pyramid', producido por Gareth Jones (Depeche Mode, Erasure).

Con 'Beat Pyramid' el éxito también se ramificó; festivales grandes como FIB (Benicassim) o menores como Dockville (Hamburgo), aclamados por unos y relegados por otros por ser una secuela del brit pop, presentes tanto en fiestas indies, como en fiestas fashion.

Y llegó 'Hidden', y nos dejó con la boca abierta, ya que en un principio no es tan fácil de tararear; sin embargo, algo tiene que hace seguir escuchando, escudriñando. Esta vez producidos por el mismo Jack y Graham Sutton (Jarvis Cocker, A Place To Bury Strangers), se siente más denso y mantiene el sonido propio, que les hace reconocibles ('We Want War' recuerda a 'Swords Of Truth' de 'Beat Pyramid'). Cuando empieza 'Hologram', dan ganas de saltar a la siguiente rola, y también de seguir escuchando hasta el final.
Con 'Beat Pyramid' parecían un poco repetitivos aunque graciosos ('Elvis', 'Numbers'), con 'Hidden' son más intensos, fuertes y usan más las percusiones, casi como un instrumento catártico, como en 'Fire Power' y 'Drum Courts'. A Jack le ha dado por tomarse un poco en serio, al cantar 'White Chords'. 'Attack Music' sorprende, con la presunta seriedad del texto (11/Septiembre) y los coros infantiles gritando "it was September, harmful logic" seguidos por el sonido de una espada desenfundada.

El Prinzenbar es más bien un local chiquito, detrás del Reeperbahn. Se antojaba un concierto intimista. Usaban ropa de diseñador, aunque sencilla, son músicos antes que estrellas, por más que gran parte del público asistente pareciera asistir más a un desfile de modas. Tal vez esa visión del respetable, o su pose de músicos verdaderos sea lo que impida una conección al 100%. O tal vez porque evitan tocar sus rolas más fiesteras. Una pena, para una banda con mucho pontencial, talento, ganas y dos CDs recordables, recomendables y escuchables tanto a bajo volumen como a volumen fuerte.

Splice

In English

(Vicenzo Natali, Canada/Francia/Estados Unidos, 2009)


¿Qué tendrían que estar haciendo dos actores reconocidos en una película de género? Precisamente, actuando.
Elsa (Sarah Polley) y Clive (Adrien Brody), dos científicos vinculados profesional y personalmente, experimentan con ADN de diversas especies, logrando construir una quimera. Su trabajo, investigativo y científico, es auspiciado y patrocinado por una compañía; han de tomar tejidos de la quimera y sintetizar proteínas que pudieran ser útiles para producir medicamentos contra enfermedades degenerativas; dado que la idea es comercializar, hay que ser rápidos.
La pareja aprovecha las instalaciones de su trabajo para conseguir una versión de la quimera con ADN humano. El resto es material de película, en el caso de 'Splice', una película de género, con al menos dos actores, un director y un productor (Guillermo Del Toro) reconocidos. No es necesario ver 'Splice' con lupa para notar los momentos graciosos voluntarios, ni los detalles visuales narrativos, ni los espectaculares efectos especiales, ni los giros de cámara de casi 180 grados de los científicos en el laboratorio.
Si 'Splice' es realista o no, es algo que no corresponde a los méritos de la propia película, una vez dentro del mundo de los dos científicos en el invierno canadiense, es mejor digerir las sorpresas que ponerse a vociferar que no es nada nuevo o que es imposible en el mundo real. La quimera con el ADN humano, Dren, crece y lo hace rápido; tanto Elsa como Clive intentan mantener el proyecto en secreto y llevarle un seguimiento, digamos de campo, extramuros; pero hay cosas que ni Elsa ni Clive pueden observar, y el espectador tampoco tiene porqué. Sin embargo, Dren no es el primer experimento que ellos hacen, y los científicos algo han de haber aprendido de sus experimentos anteriores. Después de llegar hasta donde han llegado, si en realidad equivale a llegar lejos, ¿seguirán avanzando? Y ¿hasta dónde?
Falsamente graciosa a momentos, tensa otros ratos, o al menos la chica detrás mío se la pasó tiesa ocupando su asiento y el de su novio. Dren perturba, cada vez que crece, cada vez que muestra una nueva "cara".